Nacida en Nueva York bajo el nombre de Marguerite Guggenheim, el 26 de agosto de 1898, en el seno de una familia judía acaudalada conocida por su participación en la industria de la minería, Peggy devendría en una de las figuras más substanciales de la cultura occidental del siglo pasado. Era la hija del medio del matrimonio entre Benjamín Guggenheim[i] y Florette Seligman[ii], y la hermana de Benita Rosalind Guggenheim[iii] y de Barbara Hazel Guggenheim[iv], con quienes tenía una excelente relación que rebasaba la mera fraternidad y excoriaba con la más arcana confesionalidad intimista. Las tres estudiaron en el Calhoun School, un colegio progresista para niñas ricas del upper west side de Manhattan, donde, en 1912, la muerte de su padre las sorprendió tristemente tras el hundimiento del Titanic del cual era uno de los pasajeros, desgracia que les dejó una pequeña fortuna a cada una a heredar una vez cumplidos sus 21 años. Durante la Primera Guerra Mundial, mientras terminaba sus estudios secundarios y su familia tejía jerséis para los soldados, Peggy solo pensaba en dos cosas: en leer a Ibsen[v], Oscar Wilde[vi] y Tolstói[vii], y en buscarse un trabajo que le permitiera conseguir una libertad mayor de la que su endogámico grupo de pertenencia social de judíos ricos y aburguesada familia le concedían. Por ese motivo, tras trabajar en 1918 vendiendo uniformes a los soldados, viajó en 1919 por Estados Unidos con la fortuna heredada por su padre. A su regreso, se operó la nariz (rasgo que la acomplejó toda su primera juventud debido a su prominencia) y asistió como secretaria a su dentista, antes de empezar a bregar en la librería Radical de la calle Sunwise Turn que regentaba su primo, Haeold Loeb[viii], donde entró en contacto con el mundo cultural que le rodeaba, ya que además de vender literatura vanguardista, en aquella librería se celebraban exposiciones de arte experimental que reunían a personajes del mundo intelectual, entre ellos pintores y escritores como Laurence Vail[ix] y Leon Fleischman[x]. Fue junto a este último y a Alfred Stieglitz[xi] con quienes Peggy conoció la abstracción[xii], de la mano de Georgia O´Keefe[xiii], y comenzó a frecuentar galerías de vanguardia.
Para principios de los “años locos” (década de 1920), asfixiada por la vida aristócrata de su familia, Peggy huyó a Europa. Viajó por todo el viejo continente, visitando y memorizando cada uno de sus museos, hasta que decidió radicarse en París y ser testigo del renacimiento de la “ciudad de las luces” tras la guerra como centro de la vida intelectual y social en Europa, donde además en ese momento nacía el Surrealismo[xiv] -ese grupo que fue capaz de llevar al lienzo la interpretación de lo onírico-, una corriente con la que más tarde se comprometería y mantendría relaciones sociales, afectivas y amatorias con sus principales figuras. A mediados de 1921, Peggy viajó de vuelta a su ciudad natal para asistir a la boda de su hermana mayor con Edward B. Mayer[xv]. Durante esa estancia en Nueva York, conoció a Laurence Vail, quien sería su primer marido, en casa de Helen y Leon Fleischman. Peggy describiría más tarde el impacto que este hombre le causó: “Su hermoso, ondulado y dorado cabello se agitaba atrapado por el viento. Yo estaba escandalizada por su libertad y sin embargo también cautivada. Él había vivido en Francia toda su vida, tenía acento francés y arrastraba las erres. Era como una criatura salvaje. No parecía importarle lo que la gente pensaba acerca de él. Sentí, mientras caminaba calle abajo con él, que podía irse en cualquier momento; tenía tan poca conexión con el comportamiento ordinario…”. Se casaron el 10 de marzo de 1922. Pasaron su luna de miel en Roma y Capri y, luego, se instalaron en el departamento de Peggy en Paris. Allí, Peggy, a través de Laurence, se hizo amiga de Mary Reynolds[xvi] (con quien Laurence había tenido un amorío anteriormente) y de Djuna Barnes[xvii] (también examante de Vail), y conoció a Marcel Duchamp[xviii] (quien devendría su mentor y consultor principal a la hora de armar su colección) y a Tristan Tzara[xix], además de a varios otros artistas.
Los problemas maritales no tardaron en aparecer, las actitudes agresivas de Vail para con Peggy empezaron a poner en duda su decisión de haberse casado con él, pero para cuando esto sucedió ella se percató de que estaba embarazada. El 15 de mayo de 1923, Peggy dio a luz a su primer y único hijo varón: Michael Cedric Sindbad Vail[xx]. Tras su nacimiento, el matrimonio fue a pasar un tiempo a Normandía, donde Peggy conoció a James Joyce[xxi] y a su esposa Nora[xxii], y a Man Ray[xxiii]. Al año siguiente, volvieron a viajar a Capri y de ahí a Amalfi y Egipto. A su regreso a París dieron una fiesta en su casa de Montmatre (este tipo de fiestas aburrían a Peggy, bebía mucho y no se hallaba con los invitados que también estaban borrachos, tampoco le gustaba que las demás personas tuvieran sexo en su cama, cuestión que sucedió en más de una oportunidad), poco antes de volver a emprender otro viaje, esta vez a Venecia y Rapallo, donde visitaron al poeta Ezra Pound[xxiv] y Peggy volvió a quedar en cinta. La retoña, Pegeen Vail Guggenheim[xxv], nació el 18 de agosto de 1925 en Ouchy, Suiza, y a sus dos semanas de vida, sus padres, la radicaron en París. Para 1927, en esa misma ciudad, Peggy conoció a Isadora Duncan[xxvi] e hizo una fiesta en su honor. A esa reunión asistieron Cocteau[xxvii], Hemingway[xxviii], Pound[xxix], Gide[xxx], Natalie Barney[xxxi], Jules Pascin[xxxii] y Marcel Duchamp junto a Mary Reynolds (a quienes Peggy les había hecho de celestina recientemente). Unos meses después, los Vail volvieron a viajar. Pasaron una temporada en el sur de Francia junto a Emma Goldman[xxxiii], donde la anarquista empezó a escribir su autobiografía, “Viviendo mi vida“, la cual fue íntegramente financiada por Peggy y su filantrópico y libertario corazón. Durante esos días las actitudes de Laurence se volvieron más y más agresivas – tanta dosis de hembras alfa rivalizó con su “mandato de masculinidad” y el egotismo se apoderó de él, llevándolo al salvajismo cobarde del machirulo promedio-. En sus memorias, “Confesiones de una adicta al arte”, Peggy narró una ocasión en la que Laurence la arrojó escaleras abajo, quemó uno de sus suéteres y caminó sobre su estómago más de cuatro veces durante la misma tarde. Para finales de diciembre de 1928, Peggy no soportó más y abandonó a Laurence, obteniendo, de paso, la custodia de Pegeen, mientras Laurence se quedó con la de Sindbad.
Peggy Guggenheim, Laurence Vail, Pegeen Vail y Sinbad Vail
Apoyándola para escapar de Laurence Vail estuvo un escritor inglés de nombre John Holms[xxxiv], de quien, Peggy, una vez que se liberó de Laurence, se enamoró. Durante un año, la pareja rentó en Devon (un condado no metropolitano situado en el suroeste de Inglaterra) el Hayford Hall, al que sus amigos rebautizaron el “Hangover Hall” (Salón de Resaca), donde Djuna Barnes, que vivió con ellos allí durante un tiempo, terminó de escribir su novela “Noche en el Bosque”. Cuando el plazo de la renta de Hayford Hall terminó, la pareja se mudó a Londres. De su relación con Holms, Peggy escribió: “Él sabía que yo era mitad trivial y mitad extremamente pasional, y esperaba poder eliminar mi lado trivial”. La muerte de John a causa de un infarto durante una operación de muñeca con anestesia general en 1934 (era un alcohólico declarado que no había dejado de tomar hasta el minuto previo a entrar a quirófano) fue un golpe duro para Peggy. Cercana a convertirse en una “señora de las cuatro décadas” -con pisadas de fuego al andar-, después de haberse recuperado de la depresión en la que la muerte de Holms la había sumergido, su privilegiada vida tomó una nueva dirección. En 1937, su madre murió, dejándola con otros 450,000 dólares de los cuales disponer. Decidió poner una galería, por consejo de sus amigos. En palabras de Peggy: “Alguien sugirió que pusiera una galería o una casa editorial, y yo pensé que una galería sería menos cara. Por supuesto, nunca pensé en las grandes cantidades de dinero que podría llegar a gastar”. Peggy no sabía mucho de arte moderno, pero pronto aprendió de Duchamp, que le enseñó la diferencia entre abstracto y surrealismo, y que “el arte era una cuestión de personalidad”, entre otras lecciones (más tarde Peggy diría de Duchamp que “fue la persona más influyente en mi vida”). Viajó a París para buscar a los artistas que expondrían en su galería. Entre reuniones con pintores y escultores, tuvo un amorío con el escritor irlandés (futuro Nobel) Samuel Beckett[xxxv], de quien llegó a escribir: “Sus idas y venidas eran completamente impredecibles, cosa que yo encontraba muy excitante, se presentaba a media noche con cuatro botellas de champaña y no me dejaba levantarme de la cama por dos días”.
En 1938, la galería de Peggy, Guggenheim Jeune, ubicada en el número 30 de Cork Street (junto a la galería de Roland Penrose[xxxvi] y la de E. L. T. Mesens[xxxvii]) de Londres fue inaugurada con una exposición de Jean Cocteau. El arte surrealista y abstracto que Cocteau exhibió era desconocido en el Reino Unido. Mucha gente estaba desconcertada, si no es que molesta, por este tipo de “arte nuevo” y pocos compraron los cuadros. En afán de fomentar las ventas y consolar a los artistas, la misma Peggy comenzó a comprar las obras secretamente. “Así fue como comenzó la colección”, escribiría más tarde. La muestra de la obra de Cocteau fue seguida por exhibiciones de Wassily Kandinsky[xxxviii] (siendo esta la primera vez que Kandinsky exponía en Reino Unido), Yves Tanguy[xxxix], Wolfgang Paalen[xl] y otros artistas, tanto famosos como emergentes. Junto a Nelly van Doesburg[xli] como curadora, Peggy convocó a exposiciones de collage y escultura, con la participación de artistas como Antoine Pevsner[xlii], Henry Moore[xliii], Alexander Calder[xliv], Raymond Duchamp-Villon[xlv], Constantin Brancusi[xlvi], Jean Arp[xlvii], Max Ernst[xlviii], Pablo Picasso[xlix], Georges Braque[l], Kurt Schwitters[li] y John Tunnard[lii]. La respuesta negativa del coleccionismo londinense originó en Peggy la idea de crear un museo de arte moderno para ilustrar(los) y difundir la obra de los artistas contemporáneos que tanto entusiasmo le despertaban. Por esa razón, y debido al comienzo de la Segunda Guerra Mundial (en la cual Gran Bretaña ya estaba involucrada), en 1939, Peggy decidió cerrar la galería (tras haber perdido algunos cientos de libras esterlinas) y volver a Paris con la misión de comprar las obras que compondrían la colección permanente de su ansiado museo (el cual nunca llegó a concretarse debido, también, al conflicto bélico internacional).
En París, se alojó en casa de su amiga Nelly van Doesburg (creación arquitectónica magnánima de su ya fallecido marido, el artista Theo van Doesburg[liii], y diseñada interiormente por ella y la artista Sophie Taeuber-Arp[liv]) en la periferia sudoeste de la ciudad, e hizo caso omiso al consejo del gobierno de Estados Unidos de que sus ciudadanos regresaran al país. En lugar de retirarse a la seguridad de Nueva York, Peggy, que llevaba consigo una lista elaborada por el filósofo Herbert Read[lv] (quien había sido director de su galería en Londres) con varios nombres de escultores, fotógrafos y pintores, cuyas producciones debía adquirir, comenzó a comprar obras como loca. Su lema era “una pintura al día” y con el ejército alemán entrando por el norte, lo que menos faltaba eran vendedores. “Todos sabían que yo estaba en el mercado comprando lo que fuera”. Gastó cerca de 40,000 dólares en pinturas y esculturas, a menudo comprando directamente a los artistas a precios de rebaja. Algunos de esos artistas fueron: Georges Braque, Salvador Dalí[lvi], Piet Mondrian[lvii], Francis Picabia[lviii] y Fernand Léger[lix]. La colección fue almacenada en el granero de un amigo en la Francia central para salvaguardarla del pillaje nazi (Peggy estaba furiosa de que el Louvre se hubiera negado a almacenarla, argumentando que era demasiado moderna para guardarla) y enviada a Nueva York en 1941 como “artículos para el hogar”, escondida en cajas y cajones con asadores y ropa de cama.
El 12 de junio de 1940, dos días antes de que los alemanes invadieran París, Peggy huyó a Grenoble, en el sur de Francia. Allí un grupo de amigos pintores (incluido Max Ernst, que había fugado de un campo de concentración) le pidieron que los ayudara a escapar de Francia. Tras varios meses viviendo en Marsella, donde tuvo un lujurioso amorío con Max, Peggy y los artistas rescatados (entre los que figuraban además de Ernest: André Breton[lx] y André Masson[lxi]) inmigraron a Estados Unidos en julio de 1941, junto con Sindbad, Pegeen, Laurence Vail y su segunda esposa Kay Boyle[lxii] con sus hijos. De vuelta en Nueva York, Peggy y Max se alojaron en una mansión en East River, y se casaron en diciembre de ese mismo año. El 1 de octubre de 1942, Peggy abrió en Manhattan una nueva galería llamada The Art of This Century Gallery (Galería el Arte de Este Siglo). La galería fue diseñada por el visionario Frederick Kiesler[lxiii]. Estaba dividida en diferentes salas, cada una con un tema artístico, así había una sala para surrealismo y otra para cubismo[lxiv], además de un espacio para la venta de obras. Ninguna de las pinturas tenía marco, precepto que había impuesto Peggy a modo de metáfora acerca de “lo actual” que eran las obras que la galería exponía y comercializaba. En la inauguración, Guggenheim lució un pendiente de Tanguy y otro de Calder, para mostrar su imparcialidad profesional entre los modos surrealista y abstracto.
En 1943, Peggy, que estaba buscando nuevos talentos para la exposición del “Salón de Primavera” que sería exhibida en su nueva galería, colocó un anuncio en la revista Art Digest[lxv]. El anuncio especificaba que cualquier artista norteamericano menor de treinta y cinco años podía presentar muestras de su obra. Los finalistas serían elegidos por un jurado conformado por ella, Piet Mondrian, Marcel Duchamp, James Joseph Sweeney[lxvi] y James Thrall Soby[lxvii]. Uno de los artistas a ser considerados fue Jackson Pollock[lxviii]. El secretario/consejero de Peggy, Howard Putzel[lxix], resultó ser un temprano impulsor de Pollock, refiriéndose a él como “genio” y Matta[lxx], otro artista allegado al que ella respetaba, también lo había preconizado. Pero la mecenas parecía no poder apreciar el genio de Jackson P. Putzel, insistiéndole para que lo considerara para el próximo “Salón de Primavera”, fue al estudio del susodicho en la Octava Avenida y llevó una selección de su obra a la galería para apreciación del jurado. Mientras Mondrian examinaba “Stenographic Figure” (Figura Estenográfica) de Pollock, Peggy comentó: “Bastante fea ¿no es así? Eso no es una pintura ¿o sí?” Después de que Mondrian estuviera frente a la pintura por varios minutos, ella continuó su crítica: “Hay una absoluta falta de disciplina en esto”, agregando que ella no creía que Pollock fuera admitido para la exhibición. Mondrian, ciertamente conmovido por la obra, dijo: “Peggy, no lo sé. Tengo la sensación de que esta puede ser la pintura más emocionante que he visto desde hace mucho, mucho tiempo, aquí o en Europa”. Peggy protestó exclamando que no era la clase de cosas que esperaba que fueran del gusto de Piet, a lo que él respondió que sólo porque fuera diferente de su propia obra no significaba que debía de disgustarle, agregando, “yo no sé lo suficiente acerca de este autor como para calificarlo de ‘grande’, pero sé que me obligó a detenerme y observar. Donde tú ves ‘falta de disciplina’ yo tengo la impresión de percibir una energía tremenda”. Cuando la exposición fue inaugurada, “Stenographic Figure“ fue incluida. Y los críticos, como Mondrian, estaban emocionados. La exhibición recibió muy buenas críticas de la prensa estadounidense, pero la que realmente enfatizó la inclusión de la obra de Pollock apareció escrita por Jean Connolly en el diario Nation y decía: “Por primera vez el futuro revela un brillo de esperanza”, comentaba algunas obras de Matta, Motherwell y otros como “pinturas que sería un placer poseer,” y luego agregaba, “hay un gran Jackson Pollock (sic) que, me dijeron, hizo que el jurado entornara las pestañas”. Para finales de ese mismo año, Max Ernst y Peggy Guggenheim se separaron, después de que él se enamorara de Dorothea Tanning[lxxi], con quien se casó en 1946.
Diariamente, Peggy iba acompañada de sus perros a la galería. De noche, organizaba fiestas salvajes a las cuales asistían invitados del medio artístico. “Durante cinco años me fui a la cama en estado de ebriedad”, escribió en su libro autobiográfico. Pollock rara vez era invitado a esas fiestas, ya que “tomaba demasiado y cuando lo hacía podía llegar a ser incómodo por no decir diabólico”. En una ocasión, en casa de Peggy, Pollock, tras dejar una pintura que le habían encargado (“Mural“, 1944), fue directo al mini-bar y, luego de haberse bebido todas las botellas que había y emborrachado hasta no poder más, orinó en la chimenea sin ningún reparo ni recuerdo alguno al día siguiente. En 1947 Peggy cerró la Art of This Century, alegando: “Estaba exhausta por mi trabajo en la galería, de la cual me había convertido en una especie de esclava” y decidió regresar a Europa, estableciéndose en Venecia, una de sus ciudades favoritas. Al año de haber estado residiendo en la misma, el 30 de septiembre de 1948, la XXIV Bienal de Venecia le dedicó un pabellón exclusivo a algunas obras de su colección, entre las que se encontraban: “Eyes in the Heat“, “The Moon Woman“ y “Two“ de Jackson Pollock. La exposición emprendió una gira por Italia, siendo exhibida en Florencia (febrero de 1949) y Roma (junio de 1949). Mientras su colección viajaba, Peggy compró el Palazzo Venier dei Leoni[lxxii] y lo adecuó a su modo de vida. Lo compartía con sus empleados, sus invitados y sus once perros. En 1951 abrió sus puertas al público. Tres tardes a la semana, el público podía entrar a ver la magnífica colección desplegada por todo su hábitat (había obras hasta en los baños). A su vez, la bodega del palacio fue convertida en un estudio de artistas para los que quisieran trabajar allí, cuestión que convocó personajes tales como Yoko Ono y Truman Capote, además de a sus amigos de siempre (que para ese entones, con la mayoría, ya llevaba más de treinta años de visceral relación).
A principios de la década del 60, Peggy dejó de coleccionar, pero continuó prestando sus obras a exposiciones a lo largo y ancho del hemisferio occidental. En 1962 fue nombrada ciudadana honoraria de Venecia y solía ser vista con frecuencia recorriendo los canales de la ciudad en su góndola privada. En una ocasión escribió a un amigo: “Adoro flotar hasta tal punto que no puedo pensar en nada más hermoso desde que dejé el sexo, o, mejor dicho, desde que el sexo me dejó”. El primer día del mes de marzo de 1967, su hija feneció en circunstancias misteriosas en su casa de París. Pegeen, que era una pintora alcohólica y adicta al Valium había intentado suicidarse previamente y fue encontrada tirada en el piso de su habitación por su esposo, el artista inglés Ralph Rumney[lxxiii]. Peggy, que fue informada de la defunción por medio de un telegrama mientras estaba de viaje en México, nunca se recuperó de la pérdida (y, a modo de catarsis u homenaje, nombró a uno de sus Lhasa Apso[lxxiv] con su nombre). Poco antes de morir, Peggy escribió: “Veo hacia atrás en mi vida con gran alegría. Creo que fue una vida muy exitosa. Siempre hice lo que quise y nunca me importó lo que los demás pensaran. ¿Liberación de la mujer? Yo era una mujer liberada antes de que hubiera un nombre para eso”. Murió a causa de una apoplejía el 23 de diciembre de 1979 en Padua. Legó su palazzo y su colección a la Fundación Guggenheim de su tío Solomon, a condición de que las obras de arte se mantuviesen juntas y expuestas en Venecia (Museo Peggy Guggenheim). Fue enterrada en el jardín de su palacio véneto junto a sus “queridos niños” (como les decía a sus perros): Cappuccino, Pegeen, Peacock, Toro, Foglia, Madame Butterfly, Baby, Emily, White Angel, Sir Herbert (en honor de Herbert Read y en previsión de que lo nombraran sir), Sable, Gypsy, Hong Kong y Celida.
Link al documental “Art Adict” (Adicta al arte) de Lisa Immordino Vreeland:
https://www.documaniatv.com/biografias/peggy-guggenheim-adicta-al-arte-video_2a44df56d.html
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[i] Benjamín Guggenheim: (Filadelfia, Pennsylvania, 26 de octubre de 1865 – Océano Atlántico, en el hundimiento del RMS Titanic, 15 de abril de 1912) fue un empresario estadounidense, el quinto de los siete hijos del magnate dedicado a la minería y la metalurgia Meyer Guggenheim.
[ii] Florette Seligman Guggenheim: (Nueva York, 27 de febrero de 1870 – Nueva York, 15 de noviembre de 1937). Fue una excéntrica rica, que tenía la costumbre de repetir todo lo que decía tres veces.
[iii] Benita Rosalind Guggenheim: (Nueva York, 1895 – Neva York, 1937). Se casó con Edward B Mayer en 1919 y murió a dar a luz a su segundo hijo con él.
[iv] Barbara Hazel Guggenheim: (Nueva York, 30 de abril de 1903 – Nueva York, 15 de junio de 1995) fue una pintora, coleccionista y benefactora de arte estadounidense.
[v] Henrik Johan Ibsen: (Skien, 20 de marzo de 1828 – Cristianía, 23 de mayo de 1906) fue un dramaturgo y poeta noruego. Es considerado el más importante dramaturgo noruego y uno de los autores que más han influido en la dramaturgia moderna, padre del drama realista moderno y antecedente del teatro simbólico. En su época, sus obras fueron consideradas escandalosas por una sociedad dominada por los valores victorianos, al cuestionar el modelo de familia y de sociedad dominantes. Sus obras no han perdido vigencia y es uno de los autores no contemporáneos más representados en la actualidad.
[vi] Oscar Fingal O’Flahertie Wills Wilde: (Dublín, 16 de octubre de 1854 – París, 30 de noviembre de 1900), conocido como Oscar Wilde, fue un escritor, poeta y dramaturgo de origen irlandés. Es considerado uno de los dramaturgos más destacados del Londres victoriano tardío. Fue una celebridad en su época debido a su gran y agudo ingenio. Hoy en día, es recordado por sus epigramas, sus cuentos, sus obras de teatro, su única novela “El retrato de Dorian Gray“, y la tragedia de su encarcelamiento, seguida de su muerte prematura.
[vii] León Tolstói: Lev Nikoláievich Tolstói (Yásnaia Poliana, 28 de agosto de 1828 – Astápovo, 20 de noviembre de 1910) fue un novelista ruso, considerado uno de los escritores más importantes de la literatura mundial. Sus dos obras más famosas, “Guerra y paz” y “Ana Karénina“, están consideradas como la cúspide del realismo ruso, junto a obras de Fiódor Dostoyevski.
[viii] Harold Albert Loeb: (Nueva York, 18 de octubre de 1891 – Marrakech, 23 de enero de 1974) fue un notable escritor estadounidense. Fue el editor fundador de Broom, una revista internacional de arte y literatura, que se publicó por primera vez en 1921 en la ciudad de Nueva York.
[ix] Laurence Vail: (Paris, 28 de enero de 1891 – Cannes, 16 de abril de 1968) fue un poeta , dramaturgo, escultor y pintor francés del dadaísmo . A principios del siglo XX se lo conocía como el “roi de Montparnasse” o “roi de la Bohème“. Fue el primer marido de Peggy Guggenheim y padre de sus dos hijos: Sindbad y Pegeen.
[x] Leon Fleischman: no hay casi información sobre él, solo sabemos que fue un poeta estadounidense, proveniente de una familia adinerada neoyorkina, que trabajó como vice-presidente de la editorial “Boni and Liveright”, en la cual se encargó de que se publicasen las obras completas de Sigmud Freud. Mantuvo un matrimonio abierto con Helen Fleischman, durante el cual fue amante de Peggy Guggenheim, entre otras mujeres pertenecientes al mundo del arte de su época.
[xi] Alfred Stieglitz: (Hoboken, Nueva Jersey, 1 de enero de 1864 – Nueva York, 13 de julio de 1946) fue un fotógrafo estadounidense, de origen judío-alemán. Durante sus cincuenta años de carrera luchó por hacer de la fotografía una forma de arte al nivel de la pintura y la escultura. Para conseguir este objetivo empezó explorando dentro del campo de la fotografía capacidades propias de la pintura (composición, texturas) para después recurrir a elementos propiamente fotográficos (profundidad de campo, efecto de corte fotográfico). Pasó así del pictorialismo a la llamada fotografía directa. A Stieglitz también se le conoce por su matrimonio con la pintora Georgia O’Keeffe.
[xii] Abstracción: un estilo de la expresión de las artes plásticas (pintura y escultura) principalmente, que en lugar de representar figuras concretas y reconocibles del mundo real (como hace el arte figurativo), propone una realidad distinta a través de un lenguaje propio e independiente de formas, colores y líneas, cuya interpretación queda a cargo del espectador. Este estilo surgió a inicios del siglo XX y perdura hasta nuestros días, teniendo grandes expositores como los pintores Vasili Kandinski, Robert Delaunay, Kazmir Malévich, Piet Mondrian, Mark Rothko, Jackson Pollock, Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez, Gerhard Richter y Joan Miró, y a los escultores Marcel Duchamp, Alexander Calder y Jean Arp.
[xiii] Georgia Totto O’Keeffe: (Sun Prairie, Wisconsin, 15 de noviembre de 1887 – Santa Fe, Nueva México, 6 de marzo de 1986) fue una artista estadounidense. Era conocida por sus pinturas de flores ampliadas, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México. O’Keeffe ha sido reconocida como la “Madre del modernismo estadounidense”.
[xiv] Surrealismo: (del francés surréalisme) fue un movimiento cultural desarrollado en Europa tras la Primera Guerra Mundial, influenciado en gran medida por el dadaísmo. La RAE lo describe como “movimiento artístico y literario que intenta sobrepasar lo real impulsando lo irracional y onírico mediante la expresión automática del pensamiento o del subconsciente”. Las obras surrealistas contienen elementos y yuxtaposiciones inesperados y non sequitur. El término “surrealismo” fue acuñado por primera vez por Guillaume Apollinaire en 1917. No obstante, el movimiento surrealista no se estableció hasta el 15 de octubre de 1924, cuando el poeta y crítico francés André Breton publicó el “Manifiesto surrealista” en París (ciudad que fue la sede central del movimiento). Desde la década de 1920 en adelante, el movimiento se expandió por el mundo, influyendo en las artes visuales, la literatura, el cine y la música de múltiples países, así como el pensamiento y práctica política, la filosofía y la teoría social.
[xv] Edward B. Mayer: (Iowa, 1895) fue un aviador estadounidense.
[xvi] Mary Louise Hubacheck Reynolds: (Minneapolis, Minnesota, 1891 – Paris, 30 de septiembre de 1950) fue una artista y encuadernadora estadounidense. Se destacó por su asociación romántica y colaboración artística con el artista Marcel Duchamp, así como por su papel en el apoyo a la Resistencia francesa durante la ocupación nazi en París.
[xvii] Djuna Barnes: (Nueva York, 12 de junio de 1892 – Nueva York, 18 de junio de 1982) fue una escritora estadounidense.
[xviii] Marcel Duchamp: (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 – Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés. Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del dadaísmo. Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad y el pensamiento, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
[xix] Tristan Tzara: seudónimo de Samuel Rosenstock (Moineşti, 16 de abril de 1896 – París, 25 de diciembre de 1963) fue un poeta y ensayista rumano. Fue uno de los fundadores del movimiento antiarte conocido como dadaísmo, del que es considerado como su máximo exponente y figura. Fue una figura clave en la vanguardia poética de principios de siglo, anticipando la llegada del surrealismo.
[xx] Michael C. Sindbad Vail: (1923 – 1986). No hay casi información sobre su vida, solo sabemos que fue el primer hijo del matrimonio Guggenheim-Vail y que se casó con Peggy Yeomans.
[xxi] James Augustine Aloysius Joyce: (Dublín, 2 de febrero de 1882 – Zúrich, 13 de enero de 1941) fue un escritor irlandés, mundialmente reconocido como uno de los más importantes e influyentes del siglo XX, aclamado por su obra maestra, “Ulises” (1922), y por su controvertida novela posterior, “Finnegans Wake” (1939). Igualmente ha sido muy valorada la serie de historias breves titulada “Dublineses” (1914), así como su novela semiautobiográfica “Retrato del artista adolescente“ (1916). Joyce es representante destacado de la corriente literaria de vanguardia denominada modernismo anglosajón, junto a autores como T. S. Eliot, Virginia Woolf, Ezra Pound o Wallace Stevens.
[xxii] Nora Joseph Barnacle: (Connemara, Irlanda, 24 de marzo de 1884 – Zúrich, 10 de abril de 1951) fue la única esposa del escritor irlandés James Joyce y la madre de sus dos hijos. Aunque nació en Irlanda, Nora Barnacle vivió la mayor parte de su vida en el extranjero, principalmente en Suiza.
[xxiii] Man Ray: seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 – París, 18 de noviembre de 1976), fue un artista visual estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Trabajó en varios medios, pero se consideraba a sí mismo sobre todo pintor. Fue conocido en el mundo artístico sobre todo por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos y moda.
[xxiv] Ezra Weston Loomis Pound: (Hailey, Idaho, 30 de octubre de 1885 – Venecia, 1 de noviembre de 1972) fue un poeta, ensayista, músico y crítico estadounidense. Fue un artista expatriado y una figura destacada de los principios de la poesía modernista, perteneciente a la “generación perdida” (Lost Generation). Fue un ideólogo fascista ferviente seguidor de Benito Mussolini y un furibundo antisemita. Durante la Segunda Guerra Mundial, se dedicó a lanzar arengas desde la radio italiana a los soldados estadounidenses para que desertaran y a difundir la propaganda nazi contra los judíos. Fue detenido por el ejército estadounidense y llevado en 1945 a Estados Unidos donde fue juzgado por traición, pero el tribunal consideró que estaba loco (afirmación respaldada por varias figuras literarias, entre ellas Ernest Hemingway, para evitar que fuera condenado a muerte) y ordenó su ingreso en un manicomio, en el que pasó doce años. En 1958 fue liberado y volvió a Venecia donde vivió hasta su muerte.
[xxv] Pegeen Jezebel Margaret Vail: (Ouchy, Suiza,18 de agosto de 1925 – Paris, 1 de marzo de 1967) fue una pintora estadounidense. Su pintura combinaba dos estilos artísticos diferentes: el surrealismo y el arte naif.
[xxvi] Angela Isadora Duncan: conocida como Isadora Duncan (San Francisco, 27 de mayo de 1877 – Niza, 14 de septiembre de 1927), fue una bailarina y coreógrafa estadounidense, considerada por muchos como la creadora de la danza moderna. Ella explotó la capacidad de las nuevas tecnologías, al bailar en una nube de seda iluminada por los nuevos sistemas eléctricos de la iluminación teatral. Utilizó los ideales del antiguo arte griego para inspirar formas más naturales de danza y el cuerpo humano como un instrumento de expresión emocional.
[xxvii] Jean Cocteau: (Maisons-Laffitte, 5 de julio de 1889 – Milly-la-Forêt, 11 de octubre de 1963) fue un poeta, novelista, dramaturgo, pintor, ocultista, diseñador, crítico y cineasta francés.
[xxviii] Ernest Miller Hemingway: (Oak Park, Illinois, 21 de julio de 1899 – Ketchum, Idaho, 2 de julio de 1961) fue un escritor y periodista estadounidense, uno de los principales novelistas y cuentistas del siglo XX. Su estilo sobrio tuvo una gran influencia sobre la ficción del siglo XX, mientras que su vida de aventuras y su imagen pública dejó huellas en las generaciones posteriores. Hemingway escribió la mayor parte de su obra entre mediados de la década de 1920 y mediados de la década de 1950. Ganó el Premio Pulitzer en 1953 por “El viejo y el mar“ y al año siguiente el Premio Nobel de Literatura por su obra completa. Publicó siete novelas, seis recopilaciones de cuentos y dos ensayos. Póstumamente se publicaron tres novelas, cuatro libros de cuentos y tres ensayos. Muchos de estos son considerados clásicos de la literatura de Estados Unidos.
[xxix] André Paul Guillaume Gide: (París, 22 de noviembre de 1869 – París, 19 de febrero de 1951) fue un escritor francés, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1947.
[xxx] Pound: ver [xxx]
[xxxi] Natalie Clifford Barney: (Dayton, 31 de octubre de 1876 – París, 2 de febrero de 1972) fue una escritora, poetisa y novelista estadounidense que vivió como expatriada en París. Fue anfitriona de las reuniones literarias del llamado “Salón de Barney“, que se celebraron durante más de sesenta años en su casa situada en el Rive gauche de París y que congregaron a escritores y artistas de todo el mundo, incluyendo a muchas figuras importantes de la literatura francesa, junto con modernistas estadounidenses y británicos de la llamada “generación perdida“. Trabajó para promover a mujeres escritoras y para ello, creó la “Academia de las mujeres” en respuesta a la Academia francesa, compuesta exclusivamente por hombres. Al mismo tiempo brindó apoyo e inspiración a escritores masculinos como Remy de Gourmont y Truman Capote. Era abiertamente lesbiana y comenzó a publicar poemas de amor dedicados a la mujer bajo su propio nombre desde 1900, ya que consideraba que el escándalo era “la mejor manera de librarse de las molestias” (refiriéndose a la atención de hombres jóvenes heterosexuales). Apoyó en su obra el feminismo y el pacifismo. Se opuso a la monogamia y mantuvo al mismo tiempo relaciones de corta y larga duración, que incluyeron romances intermitentes con la poeta Renée Vivien y la bailarina Armen Ohanian y una relación de cincuenta años con la pintora Romaine Brooks. Su vida y sus amores sirvieron de inspiración para muchas novelas, como el best seller francés “Idilio sáfico” de Liane de Pougy y “El pozo de la soledad“ de Radclyffe Hall, sin duda la novela de temática lésbica más famosa del siglo XX.
[xxxii] Jules Pascin: seudónimo de Julius Mordecai Pincas (Vidin, Principado de Bulgaria, 31 de marzo de 1885 – París, 5 de junio de 1930), pintor de origen búlgaro nacionalizado estadounidense.
[xxxiii] Emma Goldman: (Kaunas, Lituania, 27 de junio de 1869 – Toronto, Canadá, el 14 de mayo de 1940) fue una anarquista de origen judío. Algunos historiadores del anarquismo consideran que su papel propagandístico fue clave para dar a conocer el anarco comunismo en Norteamérica y parte de Europa, especialmente en las primeras dos décadas del siglo XX a través de sus artículos, sus manifiestos y sus mítines. También ha sido considerada una figura del movimiento por la emancipación de la mujer.
[xxxiv] John Ferrar Holms: (India, 1897 – Londres, 1934) fue un crítico literario británico.
[xxxv] Samuel Barclay Beckett: (Dublín, 13 de abril de 1906 – París, 22 de diciembre de 1989) fue un dramaturgo, novelista, crítico y poeta irlandés, uno de los más importantes representantes del experimentalismo literario del siglo XX, dentro del modernismo anglosajón. Fue igualmente figura clave del llamado teatro del absurdo y, como tal, uno de los escritores más influyentes de su tiempo. Escribió sus libros en inglés y francés, y fue asistente y discípulo del novelista James Joyce. Su obra más conocida es el drama “Esperando a Godot“.
[xxxvi] Sir Roland Algernon Penrose: (Watford, 14 de octubre de 1900 – Sussex, 23 de abril de 1984) fue un artista, historiador y poeta inglés. Conocido por ser un gran coleccionista y promotor del arte moderno, estuvo vinculado a los movimientos surrealistas del Reino Unido. Durante la Segunda Guerra Mundial ofreció sus conocimientos artísticos como profesor de camuflaje.
[xxxvii] Édouard Léon Théodore Mesens: (Bruselas, 27 de noviembre de 1903 – Londres, 13 de mayo de 1971) fue un artista y escritor belga asociado con el movimiento surrealista belga.
[xxxviii] Vasili Vasílievich Kandinsky: (Moscú, 16 de diciembre de 1866 – Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor del arte abstracto en pintura y teórico del arte. Se considera que con él comienzan la abstracción lírica y el expresionismo.
[xxxix] Raymond Georges Yves Tanguy: (Paris, 5 de enero de 1900 – Woodbury, 15 de enero de 1955) fue un pintor surrealista francés.
[xl] Wolfgang Paalen: (Baden, Austria, 7 de julio de 1905 – Taxco, México, 24 de septiembre de 1959) fue un pintor y teórico austro-mexicano surrealista, el cual perteneció a la segunda generación de artistas asociados con el grupo parisino liderados por André Breton. Sus intereses iban más allá de lo normal y estos consistían en transformar el espacio de la pintura a través del rechazo de la perspectiva tradicional haciendo uso de la física no-euclidiana. Introdujo nuevas formas de entendimiento para la pintura además de que apoyó la producción de objetos surrealistas.
[xli] Nelly van Doesburg: nacida Petronella Johanna van Moorsel (La Haya, 27 de julio de 1899 – Meudon, 1 de octubre de 1975) fue una bailarina, pianista y artista de vanguardia neerlandesa. Utilizó como nombre de artista del dadaísmo Pétro van Doesburg y como seudónimo para sus pinturas Cupera.
[xlii] Antoine Pevsner (Klímavichy, Bielorrusia, 18 de enero de 1888 – Paris, 12 de abril de 1962) fue un escultor ruso y uno de los padres del constructivismo.
[xliii] Henry Spencer Moore: (Castleford, Inglaterra, 30 de julio de 1898 – Much Hadham, Inglaterra, 31 de agosto de 1986), fue un escultor británico conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público. Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, especialmente del cuerpo femenino (a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares). Sus esculturas tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen. Moore fue una de las figuras artísticas más conocidas de su época, siendo considerado “la voz oficial de la escultura británica y la cara aceptable de la Modernidad”. La habilidad que adquirió en su madurez para cumplir encargos de obras de gran tamaño, tales como el “West Wind” en el edificio del Metro de Londres, lo hizo excepcionalmente rico. Sin embargo, vivió modestamente y la mayor parte de su dinero fue usado para crear y mantener la “Fundación Henry Moore”, una fundación dedicada a promover la educación y fomento de las artes.
[xliv] Alexander Calder: (Lawnton, Pensilvania, 22 de julio de 1898 – Nueva York, 11 de noviembre de 1976) fue un escultor estadounidense conocido por ser el inventor del “móvil” (esculturas cinéticas colgantes) y precursor de la escultura cinética.
[xlv] Raymond Duchamp-Villon: nacido Pierre-Maurice-Raymond Duchamp (Normandía, 5 de noviembre de 1876 – Cannes, 9 de octubre de 1918), fue un escultor francés, hermano de Marcel Duchamp.
[xlvi] Constantin Brancusi: (Hobița, distrito de Gorj, Rumania, 19 de febrero de 1876 – París, 16 de marzo de 1957) fue un importante escultor, pintor y fotógrafo rumano, considerado pionero del arte moderno.
[xlvii] Jean Hans Arp: (Estrasburgo, 16 de septiembre de 1887 – Basilea, 7 de junio de 1966) fue un escultor, poeta y pintor francoalemán. Fue uno de los fundadores del movimiento conocido como dadaísmo.
[xlviii] Max Ernst: (Brühl, el 2 de abril de 1891 – París, el 1 de abril de 1976) fue un artista alemán nacionalizado francés considerado figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable, utilizando una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.
[xlix] Pablo Ruiz Picasso: (Málaga, 25 de octubre de 1881 – Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo. Es considerado desde la génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en los variados movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.
[l] Georges Braque: (Argenteuil-sur-Seine, 13 de mayo de 1882 – París, 31 de agosto de 1963) fue un pintor y escultor francés. Uno de los iniciadores del cubismo junto a Pablo Picasso.
[li] Kurt Schwitters: (Hannover, 20 de junio de 1887 – Londres, 8 de enero de 1948) fue un artista alemán, pintor, escultor, poeta y diseñador gráfico, nacido en Hannover. Excluido del movimiento Dadá berlinés, reaccionó fundando Dadá Hannover. Este movimiento se fundó sobre el apoliticismo (en las antípodas de las concepciones del grupo Dadá en Berlín, que se caracterizaba por estar comprometido políticamente), lo fantástico y el constructivismo. Sus principales pilares eran la revista Merz y el arte del mismo nombre.
[lii] John Samuel Tunnard: (Sandy, Reino Unido, 7 de mayo de 1900 – Penzance, Reino Unido, 12 de diciembre de 1971) fue un diseñador y pintor modernista inglés.
[liii] Theo van Doesburg: Theo van Doesburg: (Utrecht, 30 de agosto de 1883 – Davos, 7 de marzo de 1931) fue un pintor, teórico, poeta y arquitecto neerlandés. Theo van Doesburg escribiría también bajo los pseudónimos I.K. Bonset y Aldo Camini.
[liv] Sophie Taeuber-Arp: (Davos, Suiza, 19 de enero de 1889 – Zúrich, 13 de enero de 1943), fue una artista, pintora y escultora suiza.
[lv] Herbert Edward Read: (Kirkbymoorside, Yorkshire, 4 de diciembre de 1893 – Stonegrave, 12 de junio de 1968) fue un pensador inglés, filósofo, político, poeta, novelista, anarquista y crítico de literatura y arte. Realizó más de 1000 escritos acerca de diferentes áreas del pensamiento. En su trabajo como crítico de arte se destaca la importancia que le da a lo háptico (del griego háptō (“tocar”), término háptica, designa la ciencia del tacto) como valor estético sobre lo óptico o más “simplemente” visual.
[lvi] Salvador Dalí: Salvador Felipe Jacinto Dalí Domènech, marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – Ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.
[lvii] Piet Mondrian: nacido como Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 – Nueva York, 1 de febrero de 1944), fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Vasili Kandinski y Kazimir Malévich.
[lviii] Francis-Marie Martínez Picabia (París, 22 de enero de 1879 – Paris, 30 de noviembre de 1953) fue un pintor francés.
[lix] Fernand Léger: (Argentan, Normandía, 4 de febrero de 1881 – Gif-sur-Yvette, 17 de agosto de 1955) fue un destacado pintor cubista francés de la primera mitad del siglo XX.
[lx] André Breton: (Tinchebray, 18 de febrero de 1896 – París, 28 de septiembre de 1966) fue un escritor, poeta, ensayista y teórico del surrealismo, reconocido como el fundador y principal exponente de este movimiento
[lxi] André Masson (Balagny-sur-Thérain, 4 de enero de 1896 – París, 28 de octubre de 1987), fue un pintor francés asociado al surrealismo y al expresionismo abstracto. Se destacó por sus collages con materiales innovadores, como la arena y la goma arábiga, que aplicaba sobre los lienzos antes de empezar a pintarlos
[lxii] Kay Boyle: ( St. Paul, Minnesota, 19 de febrero de 1902 – Mill Valley, California, 27 de diciembre de 1992) fue una novelista, escritora de cuentos, educadora y activista política estadounidense. Fue becaria Guggenheim y ganadora del premio O. Henry.
[lxiii] Frederick John Kiesler: nacido Friedrich Jacob Kiesler (Czernowitz, Imperio Austro-húngaro [ahora Chernivtsi, Ucrania], 22 de septiembre de 1890 – Nueva York, 27 de diciembre de 1965) fue un arquitecto, teórico, diseñador de teatro y escultor austriaco-estadounidense.
[lxiv] Cubismo: fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1924, creado por Pablo Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard y Guillaume Apollinaire. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras).
[lxv] Art Digest: fue una destacada revista dedicada a las bellas artes. Fue establecido en 1926 y publicado por última vez en 1992. Se imprimía dos veces al mes de octubre a mayo y mensualmente de junio a septiembre. Su propósito declarado era proporcionar una cobertura completa de las exposiciones de arte en Estados Unidos, recopiladas de todas las fuentes de noticias relevantes.
[lxvi] James Joseph Sweeney: (1900-1986) fue un curador estadounidense y escritor sobre arte moderno. De 1935 a 1946 fue curador del Museo de Arte Moderno y fue el segundo director del Museo Solomon R. Guggenheim de 1952 a 1960. Durante su mandato, amplió el alcance de la colección para incluir pintura expresionista abstracta y escultura, estableció el programa de préstamos a largo plazo en 1953 y el Premio Internacional Guggenheim en 1956. También estuvo involucrado en los últimos años de la construcción del edificio del museo diseñado por Frank Lloyd Wright durante el cual tuvo una relación antagónica con el arquitecto. Sweeney recopiló obras de: Alexander Archipenko, Constantin Brancusi, Alberto Burri, Alexander Calder, César, Alberto Giacometti, Lucio Fontana, David Hayes, Willem de Kooning, Fernand Léger, Joan Miró, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Jackson Pollock y Pierre Soulages.
[lxvii] James Thrall Soby: (Hartford, Connecticut, 14 de diciembre de 1906 – Norwalk, Connecticut, 29 de enero de 1979) fue un autor, crítico, conocedor, coleccionista y mecenas estadounidense. Soby vivió en Connecticut, aunque a partir de 1940 también mantuvo una residencia en la ciudad de Nueva York. En noviembre de 1940 fue nombrado miembro del Comités de Adquisiciones y Fotografía del Museo de Arte Moderno. Desde febrero de 1942 dirigió el Programa de Servicios Armados del Museo. Se desempeñó como Director del Departamento de Pintura y Escultura desde el 27 de octubre de 1943 hasta el 1 de enero de 1945, y como Presidente de ese departamento de manera interina durante 1947 y 1957. Las funciones principales de Soby en el Museo fueron como Fideicomisario (1942- 79); asesor de su Comité de Colecciones de Museos, 1940-67 (del que fue presidente, 1944-45, 1950-67, y vicepresidente, 1946-50); y director de más de quince grandes exposiciones. En junio de 1985 abrió su galería, “James Thrall Soby Gallery“, que se dedicó en gran parte a la obra de Giorgio de Chirico.
