Paul Klee nació el 18 de diciembre de 1879 y fue un artista completo, un esteticista que no solo pintó, sino escribió profusamente sobre lo que pintaba, compuso poemas y, además, fue un músico con preparación académica (de joven tocó el violín en la Orquesta de Berna) -de joven tocó el violín en la orquesta de Berna-. Para él el arte era una metáfora de la creación. “El arte debe ser frugal hasta el último detalle”. Paul Klee nació en Berna pero prefirió Munich antes que París para estudiar, porque se sentía más cercano al mundo intelectual germano. Después de viajar por Italia, se casó con la pianista Lily Stumpf.
En 1920, con años de ensayos y estudios y una evolución hacia el color descubierto durante su viaje a Túnez (viaje hacia sus raíces, ya que por el lado materno tenían ascendencia oriunda del norte de África) fue invitado a integrar el grupo Bauhaus, movimiento líder del arte alemán. Allí tuvo la oportunidad de trabajar con Kandisnsky, de trascendental importancia para Klee. Vale la pena destacar que estos fueron los años de la hiperinflación en Alemania, cuando los billetes se usaban para empapelar los cuartos y un huevo se cotizaba en millones de marcos.
La Bauhaus, junto al Greco y los impresionistas, son claros ejemplos de lo que queda de una época, por más comprometida que ésta fuera. El Greco pintó durante el reinado de Felipe II. Éste declaró tres veces la cesación de pagos del estado español, por entonces, el imperio mas grande del mundo (default le driríamos hoy). Ahora eso es letra chica de los libros de texto. Los impresionistas pintaron cuando los alemanes peleaban en las afueras de Paris. La Bauhaus nos dejó un nuevo mensaje artístico que influye hasta nuestra vida diaria, cuando Alemania venía de perder una guerra y el trabajo de un día se desvalorizaba en el camino de vuelta al hogar. A través del arte “las cosas asumen un sentido más ancho y diversificado y frecuentemente parecen contradecir la experiencia racional de ayer… El arte es la sonrisa de la creación”. Klee creó nuevas formas de expresión que trasmitían espontánea alegría. Notable colorista, concibió intrincadas y novedosas formas que cristalizaron en su obra. Le gustaba “ir de paseo con una línea” dando origen a ricas y originales figuras que relacionaba con música (ya que era un melómano amante del violín). El salón de los cantantes imprime en el espectador la misma alegría que experimentó el artista al diseñar esta pieza arquitectónica peculiar y fantasiosa. Debido al creciente ambiente racista, propio del nazismo, Klee volvío a Berna. Sin embargo, su obra de los últimos tiempos en Alemania, no refleja la segregación de la que era objeto. Sus obras fueron expuestas por las autoridades nazis como “arte degenerado”. Entonces dijo “Destacan solo lo hermoso, me parece como un sistema matematico que solo se ocupa de los números positivos”. En navidad de 1933 está, nuevamente, en su ciudad junto a su padre y su hermana en la misma casa que lo había visto nacer. Cuando solo contaba cuarenta años, Paul Klee comenzó a experimentar una súbita rigidez corporal acompañada de dolores y cansancio. Una extraña enfermedad perdía las fuerzas del pintor.
Esclerodemia. Incurable enfermedad autoinmune, que compromete la piel y los músculos, atrofiando estas estructuras a ojos vista, para desesperación del paciente que ve disminuir su cuerpo y avanzar el colapso final. Klee comenzó a tener dificultades para dibujar y pintar, como tuvo en su tiempo Dufy, antes que los corticoides aliviaran su reumatismo. Tal como comprometió a Renoir, ambos afectados por la misma enfermedad. Pero la esclerodermia no tiene cura y solo el uso de corticoides a grandes dosis y de inmunosupresores puede frenar su inexorable evolución. En tiempos de Klee, eso no era posible. Perdió su alegría. Su obra no trasmitió más el espíritu vivificante de antaño. De a poco la soledad y el dolor invadieron su obra, que él continuó con dedicación “Nunca he dibujado tanto ni tan intensamente…””Pinto para no llorar”.
Autorretrato. Paul Klee “enojado” con su enfermedad, casi no podía mover sus dedos.
Sus últimos cuadros forman un conjunto fúnebre con títulos como Prefiere quedarse, Uno de los últimos y Persevera donde las líneas de sus labios dibujan el rictus que la enfermedad prefiguraba en su rostro. El enfermo en la barca, preanuncia el viaje que junto a Caronte habría de hacer. La completa falta de movimiento en sus manos retrotrae sus líneas a dibujos infantiles.
Decía que prefería morir a vivir otra guerra. Entró a un sanatorio en Locarno durante mayo de 1940. Murió en Muralto (Suiza) el 29 de junio. Sobre su tumba se escribieron las palabras con las que iniciaba su diario: “Nadie me puede alcanzar aquí y ahora, porque vivo tan bien con los muertos como con los no nacidos. Algo más cerca del corazón y la creación que usualmente, pero lejano a estar lo suficientemente cerca”
