Hijo de un vendedor ambulante y una madre que creía que, al casarse, traicionaría sus vínculos con la nobleza romana, Fellini creció creyendo que pertenecía a la ciudad de Roma. A fines de la década de 1930 se mudó allí con su madre y su hermano. Sin embargo, solo Federico se estableció en la capital italiana. Vendiendo caricaturas y chistes a la revista de humor Marc’Aurelio para sobrevivir. Durante la Segunda Guerra Mundial, Fellini escribió guiones para la serie de radio Cico e Pallina, protagonizada por Giulietta Masina, quien se convirtió en su esposa en 1943 y apareció en varias de sus películas durante un matrimonio de 50 años, muchas veces problemático. En 1944, Fellini conoció al director Roberto Rossellini y se convirtió en uno de los escritores de Roma, città aperta (1945; Roma, ciudad abierta), una película pionera del neorrealismo. La contribución de Fellini al guión le valió su primera nominación al Oscar.
Fellini se convirtió rápidamente en uno de los guionistas más exitosos de Italia. Colaboró en guiones para directores como Pietro Germi (Il cammino della speranza), Alberto Lattuada (Senza pietà) y Luigi Comencini (Persiane chiuse). Además, Fellini contribuyó a Paisell de Rossellini, e Il miracolo (1948; “El milagro”, un episodio de la película L’amore), en la que también actuó, interpretando a un vagabundo. La búsqueda de Fellini por lograr un estilo más personal, a menudo roza el purismo neorrealista fantástico y alienado. Su debut como director, Luci del varietà (1950; Luces de varieté), realizado en colaboración con Lattuada, se desarrolla en un espectáculo de varieté itinerante. Fellini, un entusiasta del lado sórdido del mundo del espectáculo, en particular el vodevil y el circo, regresó a este entorno varias veces, comenzando con su primer largometraje independiente, Lo sceicco bianco (1952; El jeque blanco), una sátira sobre el fumetti (un cómic fotográfico) y sus fanáticos. Sin embargo, su primer éxito crítico y comercial, I vitelloni (1953; Los inútiles), exhibió poca fantasía. Basado en su propia adolescencia en Rimini, refleja fielmente el aburrimiento de la vida provincial, que lo llevó a Roma.
Con La strada (1954; La calle), Fellini regresa al mundo de los showman. Protagonizada por Anthony Quinn como Zampanò, un “hombre fuerte” brutal pero falso, y Masina como la esposa que lo ama. La película se filmó en lugares desolados entre Viterbo y Abruzzo, aldeas y caminos sinuosos que pretendían reflejar la aridez moral del personaje de Quinn, poniendo de relieve la naturaleza dulce y perdonadora de la Gelsomina de Masina. Un éxito comercial, La strada ganó un Premio de la Academia a la mejor película extranjera, y la canción principal de Nino Rota se convirtió en un éxito. Los productores se ofrecieron a presentar a Masina como Gelsomina en una secuela, pero Fellini le dio un pequeño papel solo en el cínico Il bidone (1955; Almas sin conciencia), que presentaba a Broderick Crawford como líder de una banda de estafadores que se hacen pasar por sacerdotes para robar al campesinado. Masina afirmó su calidad de estrella en Le notti di Cabiria (1957; Las noches de Cabiria), desarrollando el personaje secundario que interpretó en Lo sceicco bianco, una prostituta romana de buen carácter que es optimista incluso cuando es humillada y estafada por el hombre con el que espera casarse. Una de las películas más simpáticas de Fellini, ganó un Oscar a la mejor película extranjera e inspiró la comedia musical de caridad Sweet Charity.
La dolce vita (1960) fue la primera de muchas colaboraciones con Marcello Mastroianni, un actor que vino a representar el alter ego de Fellini. Inspirada por los titulares de los periódicos y algunos escándalos de actualidad, la película denuncia exhaustivamente una Roma dominada por estrellas de cine extranjeras, periodistas corruptos y aristócratas decadentes. Condenada por la Iglesia Católica, pero aclamada por el público, La dolce vita contribuyó con la palabra paparazzo (el inescrupuloso fotógrafo de la prensa amarilla) al idioma inglés y el adjetivo Felliniano al léxico de los críticos de cine. Luego hizo su primera incursión en color, dirigiendo el segmento Le tentazioni del dottor Antonio (“La tentación del Dr. Antonio”) para la característica general Boccaccio ’70 (1962).
Otto e mezzo (1963; 8 ½) es una de las películas más elogiadas de Fellini y le valió al director su tercer Oscar a la mejor película extranjera. Titulado 8 1/2 por la cantidad de películas que Fellini había hecho para esa época (siete largometrajes y dos cortos), muestra a un director famoso (basado en Fellini y retratado por Mastroianni) en parálisis creativa. Acosado por guionistas argumentativos, actrices inoportunas, una esposa tímida y poco amorosa, y su despreocupada novia, se refugia en las fantasías de la infancia y el sueño de una mujer perfecta, y por lo tanto inalcanzable, encarnada en Claudia Cardinale.
En 1965, la salud de Fellini falla mientras preparaba lo que habría sido su trabajo más personal, El viaje de G. Mastorna, una visión de ensueño sobre el mas allá, protagonizada por Mastroianni. Forzado a abandonar el proyecto, encontró fortuitamente una salida alternativa para sus fantasías en color. La tecnología puso en las manos de Fellini las herramientas para realizar las visiones que hasta entonces solo existían en sus sueños: “Cierro los ojos”, escribió sobre sus imaginaciones nocturnas, “y comienza el festival”. Sus cuadernos registran esos sueños, profusamente ilustrados. Se convirtió en su materia prima. Abrazó la fantasía aún más entusiastamente en Giulietta degli spiriti (1965: Julieta de los espíritus), con Masina como una simple burguesa perseguida por lo sobrenatural. Una vez establecido como un talento internacional, Fellini se dirigió a los mitos de Roma, empleando una visión del inconsciente obtenido a través del estudio de su teórico psicoanalítico preferido, Carl Jung. Los distribuidores incorporaron el nombre de Fellini en los títulos de las películas, lo que significó la naturaleza única de su visión. Aunque técnicamente está inspirado en los escritores romanos Gaius Petronius Arbiter y Lucius Apuleius, El Satyricon (1969), promovido con el eslogan “Antes de Cristo. Después de Fellini “, en realidad celebró el movimiento hippie, que se encontró por primera vez en los Estados Unidos. Dos jóvenes bisexuales sin rumbo recorren un mundo en decadencia, plasmado en los colores llamativos que hasta entonces nunca se habían asociado con la antigüedad. El mármol blanco dio paso al desmoronamiento del estuco, los graffiti obscenos y la suciedad urbana. Sexualmente ambivalente en su vida privada, Fellini reveló en Satyricon una preocupación por la obesidad, la mutilación y el hermafroditismo que muchos consideraban perturbadores.
En Roma (1972), el director aplicó sus recursos fantásticos a la capital nacional, alternando episodios de la ocupación hippie moderna de sus monumentos, con sus visitas de adolescente a los burdeles y las excavaciones que descubren lo que queda de la antigua ciudad. Un “desfile eclesiástico de moda” se burla polémicamente del Vaticano y éste, condena sistemáticamente sus películas.
Para Amarcord (1973), que le ganó a Fellini un cuarto Oscar por mejor película extranjera, recreó la guerra de Rímini en los estudios Cinecittà de Roma sobre un recuerdo nostálgico de su adolescencia bajo el fascismo. Aunque el público tomó la película como autobiográfica, la mayoría de sus incidentes provienen de la extravagante vida de un amigo de la infancia.
Las demandas de la audiencia internacional obstaculizaron las películas posteriores de Fellini. Los productores con orientación comercial, en particular el asociado-de-larga-data Dino De Laurentiis, le aconsejaron cerrar compromiso con Hollywood. Aunque quería a Mastroianni, Fellini fue persuadido de elegir al actor estadounidense Donald Sutherland como Giacomo Casanova en Il Casanova di Federico Fellini (1976; Casanova de Fellini). La película trata a Casanova y, por ende, a Sutherland, sin simpatía. Revisando su vida, el gran amante ve sobre todo humillación y grotesco. Paradójicamente, encuentra la mayor satisfacción con un autómata ingeniosamente diseñado y realista, imitado notablemente por Adele Angela Lojodice, una pareja que, incapaz de amar, no exigía nada.
Aunque algunos críticos emplearon Felliniano como un término de burla, el lugar de Fellini en la historia del cine está asegurado. Persiguió un cine personal que ofrecía una alternativa a la tarifa comercial estándar. Su existencia creó un espacio en la conciencia pública, ya que fue colonizado por numerosos artistas que huían de un mercado basado en el simple entretenimiento. Al mezclar el sueño y la realidad, la autobiografía y la fantasía, y al utilizar sus propios problemas creativos y personales como tema, Fellini también fue pionero en Otto e mezzo, una categoría de cine psicoanalítico que inspiró a muchos y aún se está explorando. Sus películas fueron nominadas a 23 premios de la Academia y ganaron ocho. Fellini también recibió un Oscar al logro de su carrera en 1993, el premio Golden Lion del Festival de Cine de Venecia en 1985 y docenas de premios de los festivales de cine más prestigiosos del mundo.
